CAPÍTULO 7.
ÉSTE ES EL COLOR DE MIS SUEÑOS. LAS DISCIPLINAS ARTÍSTICAS
CLÁSICAS: EL DIBUJO, LA PINTURA, LA ESCULTURA Y LAS NUEVAS FORMAS DE ARTE.
En el capítulo que trataré nos acercamos a las técnicas que
cada lenguaje ha desarrollado, a las estrategias que se ponen en funcionamiento
desde cada uno de ellos y a los modos de aproximar unos a otros.
A lo largo de la historia y
gracias al trabajo continuado de los artistas en distintas formas de creación,
se han configurado las denominadas disciplinas artísticas. No son más que los
amplios campos de investigación que existen en el arte.
El dibujo es la primera
aproximación a la figura y a la composición, la primera intuición de la forma.
El color tiñe los espacios y los cuerpos y les proporciona una materia concreta
y un mundo en el que existir.
Tiene un origen incierto, el
dibujo, ha sido vehículo para expresar ideas, sensaciones, para describir algo
con detalle, para narrar historias, para comunicarnos.
Cada artista-dibujante sigue un
proceso particular en la realización de su obra, pero se pueden señalar algunas
fases generales.
La mayoría de las personas
encuentran a la hora de dibujar, los estereotipos heredados de la infancia.
Tenemos que aprender a superarlo, a través de la realización de ejercicios sistemáticos
de observación del natural y de coordinación ojo-mano.
Una de las formas de dibujo más
habitual y difundida, es la del dibujo del natural. Explicaré brevemente las
fases para su realización:
El esquema o encaje, ubicando las
formas generales en el formato. De manera que se reduzcan las figuras o
encerrándolas en figuras geométricas, utilizando ejes que definan las distintas
direcciones.
El dibujo de línea o contorno,
cuando procedemos a delimitar los contornos de la figura. Importante la
coordinación de nuestro ojo y nuestra mano, la clave está en dibujar lo que
realmente vemos y no lo que recordamos. En el trazo de estos, podemos ver el
estado de ánimo y la personalidad del que los ejecuta.
La perspectiva en el dibujo, supone
un recurso fundamental para las obras. Se puede conseguir tener una exactitud
milimétrica a la hora de representar una figura u objeto gracias al método del
Durero. Se dibuja una cuadrícula en un papel, e ir dibujando lo que se ve, al
finalizarlo se borrará la cuadrícula y por lo tanto quedará perfectamente
plasmado en el papel.
Por otro lado, tenemos la ilusión
del volumen. Las luces y sombras, utilizados para dar apariencia de tercera
dimensión a los dibujos bidimensionales, dándoles un aspecto realista.
Se utilizan distintos procedimientos
para la realización del claroscuro, con un carboncillo, con lápices de grafito
o de mina, o la aguada con tinta china.
Dependiendo de la técnica se
elegirá un tipo de superficie u otra.
Y como última fase, hablaré de
las proporciones del dibujo. Hay que tener especial cuidado con la relación de
medidas que se establecen en un dibujo entre las partes y el todo. Será lo que
determine la belleza y atractivo de la obra.
Ahora hablaré de los procesos de
creación de la pintura. Ésta, ha sufrido a lo largo de la historia importantes
y múltiples transformaciones, que en algunos casos supusieron una evolución y
en otros una ruptura radical con lo anterior. Si existen dos épocas en las que
se transformó de manera más radical el concepto de pintura, estas fueron sin
duda el Renacimiento y el S.XX.
Hay dos fases para destacar en la
elaboración de una obra pictórica. Primero se debe elegir el tema o motivo a
representar, pudiendo ser, de tal manera tomando un referente o motivo la
realidad. O sin él, haciendo una obra abstracta o figurativa. Y la elección de los procedimientos y el
soporte, que estarán condicionados por la elección del tema.
Distinguiremos las técnicas de
pintura: deben ser adecuadas para expresar lo que realmente queremos que los
otros sientan al conocer tu obra.
Puede ser la pintura al óleo, la
acuarela, o los acrílicos.
Entrando en el tema de la
escultura, este concepto designa aquellos trabajos en los que el volumen, el
espacio y la materia juegan un papel decisivo. Es una composición tridimensional,
a veces es un objeto en el que se concentra la atención, otras su misión es la
de activar el lugar donde se encuentra y cambiar su sentido; y otras veces
incorpora el espacio y la luz que le rodea.
Para acabar quiero comentar las
nuevas formas de arte, como pueden ser el “Body art”, donde el cuerpo es
tratado como material, como instrumento, como objeto encontrado, un lugar en el
que trabajar.
Las “performances”, reconociendo
la acción interpretada como medio de expresión artística.
Híbridos y las virtualidades
serían también otro tipo de modelo de creación actual.
Creo, que lo realmente hermoso de
las obras de arte, es que, además de hablarnos de lo que vemos, nos hablan de
otras muchas cosas que no vemos. Además, a través de la práctica y la
apreciación de éstas, somos capaces de disfrutar y tener experiencias
estéticas, de emocionarnos, de sufrir, de experimentar dolor, angustia o
placer, de convencernos de algo o de conocer otros puntos de vista.
MILENA MUÑOZ.
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